Cet article constitue la première partie de la préparation au concert consacré à Philip Glass, dans le cadre du projet Avant-concert 2025‑2026. Pour découvrir la conférence dans son intégralité, je vous invite à consulter la page Préparer l’écoute de Satyagraha de Philip Glass.
La musique classique du XXe siècle, et en particulier après la Seconde Guerre mondiale, se caractérise par une grande diversité de styles et d’approches. Contrairement aux périodes précédentes dominées par un langage commun, cette époque voit apparaître de multiples courants esthétiques souvent opposés. Dans un objectif pédagogique, il est possible d’organiser cette complexité en grands mouvements représentatifs.
Cette classification reste simplifiée : certains compositeurs développent des langages personnels qui mélangent les styles et/ou dépassent ces catégories.
Remerciements aux musiciens qui ont donné vie aux exemples de cet article. La musique est exigeante à écouter, et tout autant à interpréter
Petit résumé de la musique classique avant 1945
- La musique européenne commence avec la musique modale, présente dans le chant grégorien et la musique médiévale. Elle s’organise autour de modes, sans hiérarchie tonale au sens classique.
- De 1700 à 1900, le style dominant est la musique tonale, basée sur une hiérarchie des notes autour d’une tonalité centrale.
- À la fin du XIXe siècle, les compositeurs commencent à chercher de nouvelles sonorités et remettent en question le système tonale. Entre la fin du XIXe siècle et 1945, plusieurs directions apparaissent :
- musique atonale : abandon de la tonalité
- néo-modalité : retour aux modes anciens
- dodécaphonisme : organisation des 12 sons en série (Arnold Schoenberg et son école)
- John Cage introduit les premières idées de musique aléatoire, qui se développeront après la guerre
Plus de détails sur cette période dans le Chapitre 1 — L’histoire du son dans la musique européenne : avant 1945 — du mode à la dodécaphonie.
Cet aperçu de la musique contemporaine, couvrant la période de 1945 à environ 2000, s’appuiera sur l’illustration 1. Allons-y !
L’évolution du langage sonore dans la musique occidentale entre 1945 et 2000
La musique classique entre 1945 et le début des années 1960
C’est une période d’expérimentations radicales visant à reconstruire le langage musical académique / classique.
Pour une vision simplifiée, je vous propose quatre styles principaux de cette période :
- sérialisme
- musique aléatoire / expérimentale
- musique électronique
- musique électroacoustique / concrète
Sérialisme
Le sérialisme trouve son origine dans les compositions dodécaphoniques de Schoenberg de son école. Par la suite, des compositeurs comme Stockhausen et Boulez ont étendu la sérialisation à d’autres paramètres de la musique, comme les dynamiques et les articulations, organisés et transformés comme une série de hauteurs. D’autres compositeurs, comme Stravinsky, ont adopté et/ou adapté cette approche dans seulement certaines de leurs œuvres.
Compositeurs associés à la musique sérielle (mais pas uniquement sérielle) : Pierre Boulez, Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono, Anton Webern, Igor Stravinsky, Edison Denisov, Milton Babbitt.
J’ai choisi deux exemples de cette musique :
Quatre Études de rythme pour piano seul d’Olivier Messiaen, créées en 1951 dans le cadre d’un projet financé par l’UNESCO pour illustrer le modernisme le plus avancé. Étude III. Neumes rythmiques est ma préférée.
La musique de Milton Babbitt, compositeur et théoricien américain, illustre celle de l’un des plus grands représentants de la musique sérielle. Personnellement, je préfère la musique sérielle pour orchestre, que je trouve plus riche en sonorités que le piano solo.
Musique aléatoire / expérimentale
Le pionnier et inspirateur de ce mouvement est John Cage. Il a introduit le hasard et remis en question les notions d’œuvre et d’interprétation. John Cage a commencé ses premières expérimentations avant la guerre et est devenu une figure majeure dans le monde de la musique après la guerre. Cette musique, fondée sur l’indétermination, était en partie une réaction au sérialisme intégral avec ses règles très strictes.
Compositeurs associés à la musique aléatoire (mais pas uniquement) : John Cage, Morton Feldman, Earle Brown, Christian Wolff, Cornelius Cardew, Charles Ives, Karlheinz Stockhausen.
Il est remarquable que Karlheinz Stockhausen soit à la fois un grand compositeur de musique sérielle et de musique aléatoire.
Je vous propose d’écouter la musique de Iannis Xenakis — Pithoprakta. Faites attention à la partition graphique, particulièrement originale.
Musique électronique
Idée principale : sons générés artificiellement et des timbres totalement nouveaux, inexistants dans la nature
- Sons créés directement par des machines (oscillateurs, synthétiseurs, ordinateurs)
- Pas besoin de sources sonores réelles enregistrées
- Travail sur le son « pur », fabriqué
Compositeurs associés à la musique electronique : Herbert Eimert, Karlheinz Stockhausen, Milton Babbitt, Edgard Varèse
La musique électronique s’est énormément développée depuis les années 1950 et est aujourd’hui très diversifiée, allant de la musique méditative au rock et au metal.
Je vous propose deux pièces du compositeur japonais Isao Tomita:
Sans être fan des remixes, je trouve intéressant les interprétations d’œuvres classiques en style électronique.
Musique électroacoustique / concrète
Objectif : transformer le réel en matière musicale
- Utilisation de sons du quotidien (bruits, voix, objets)
- Transformation en studio (filtrage, montage, collage)
- Fusion entre monde réel et traitement électronique
Exemple simple : train, porte, voix, casserole → deviennent une œuvre musicale
Compositeurs associés à la musique électroacoustique / concrète : Pierre Schaeffer, Pierre Henry, Luc Ferrari
La musique classique du début des années 1960 jusqu’à environ 2000
La musique d’avant-garde d’après-guerre s’est progressivement éloignée du public en raison de sa complexité extrême, suscitant des réactions critiques et un besoin de renouveau.
À partir des années 1960, une nouvelle période musicale apparaît, marquée par une grande diversification des styles et des approches.
En plus de la diversité des styles déjà existants, j’aimerais distinguer deux courants apparus dans les années 1960 : la musique spectrale et le minimalisme.
Musique spectrale
Composition basée sur l’analyse du son et de son spectre acoustique.
Idée principale : analyser le son naturel et construire la musique à partir de ses propriétés internes
- Analyse scientifique du son (spectre harmonique)
- Composition fondée sur les fréquences réelles
- Travail approfondi sur la couleur sonore (timbre)
Compositeurs associés à la musique spectrale : Gérard Grisey, Tristan Murail, Hugues Dufourt, Kaija Saariaho
Minimalisme – Post-minimalisme / Néo-tonalité / Néo-romantisme
La musique minimaliste est un courant de musique contemporaine apparu dans les années 1960 aux États-Unis. À l’origine de ce mouvement se trouvent quatre Américains : La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich et Philip Glass. Cette musique est fondée sur la répétition de motifs simples avec des transformations progressives.
| Minimalisme | Post-minimalisme / Néo-tonalité / Néo-romantisme | |
|---|---|---|
| Répétition de motifs simples avec transformations progressives. | Retour à une écriture plus expressive, souvent plus accessible. | |
| APPARITION | années 1950 | années 1970–1980 |
| IDEE PRINCIPALE | • Petites cellules musicales répétées • Transformation progressive lente • Intérêt pour le processus (pas l’émotion directe) | • Garde la répétition minimaliste • Mais ajoute harmonie riche et développement orchestral • Retour de la narration et de l’émotion |
| OBJECTIF | explorer le temps et la perception musique souvent mathématique ou systémique émotion non prioritaire | équilibre entre structure et expression minimalisme “humanisé” plus émotionnel et orchestral |
| COMPOSITEURS | Steve Reich, Philip Glass, Terry Riley, La Monte Young | John Adams, Arvo Pärt, Henryk Górecki, Michael Nyman |
Deux exemples musicaux montrent bien la différence entre le minimalisme et le post-minimalisme.
Minimalisme : Philip Glass, œuvre musicale composée entre 1971 et 1974.
Post-minimalisme : Michael Nyman, musique du film The Piano, composée en 1993.
Compositeurs influents hors classement
Certains compositeurs majeurs de l’après-guerre ne peuvent être rattachés clairement à un seul mouvement, ou même à aucun mouvement en particulier.
Parmi eux : György Ligeti, Iannis Xenakis, Olivier Messiaen, Sofia Gubaidulina, Galina Ustvolskaya.
Leurs œuvres développent des approches originales (micropolyphonie, mathématiques, spiritualité, nouvelles formes sonores) qui dépassent les catégories traditionnelles.
Et la musique classique depuis les années 2000 ?
Qu’est-ce que la musique classique aujourd’hui ?
Le chapitre 3 plonge au cœur du postmodernisme : hybridation, héritage post-sériel européen, recherche sonore et renouveau néo-classique.
Un univers foisonnant, audacieux… et pourtant largement méconnu du grand public.
Nous allons l’explorer pas à pas.
Chapitre 1 : L’histoire du son dans la musique européenne : avant 1945 — du mode à la dodécaphonie
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2 réflexions sur «L’histoire du son dans la musique européenne : 1945–2000 (Chapitre 2)»