Plus de quatre siècles, 7 grandes familles, 39 genres, formes et styles.
Résumé : L’opéra ne se résume pas à un seul style : c’est une mosaïque de traditions très différentes. Voici une carte pour s’y retrouver, de 1600 à nos jours, avec des œuvres à découvrir pour chaque genre. Les frontières restent floues : ce classement donne des repères, pas des cases.
Mots-clés : classement des opéras, genres et types d’opéra, histoire de l’opéra, quel opéra écouter, opéra italien, opéra français, opéra romantique, opéra contemporain, comédie musicale, bel canto, opera buffa, opéra-comique, récitatif.
Aux origines de l’opéra : Florence, vers 1600
L’opéra apparaît en Italie vers 1600, notamment à Florence, dans un contexte de recherches sur les rapports entre poésie, théâtre et musique. Inspirées par l’idée que leurs créateurs se font du théâtre grec antique, les premières œuvres accordent ainsi une place essentielle à la déclamation chantée. Le genre se développe ensuite dans d’autres centres italiens, notamment à Mantoue et à Venise, grâce à l’ouverture des premiers théâtres publics d’opéra à partir de 1637.
Cartographier les évolutions de l’opéra, de 1600 à nos jours : mission impossible ?
Dans le tableau qui suit, je vous propose de découvrir la diversité des genres, des formes et des traditions de l’opéra, depuis ses premiers développements jusqu’aux créations contemporaines.
Comme toujours lorsqu’on cherche à classer des œuvres d’art, les frontières sont discutables.
Les compositeurs écrivent dans plusieurs genres, et Mozart en est un excellent exemple. Ses opéras appartiennent à différents genres :
- Idomeneo et La Clémence de Titus : opera seria.
- Les Noces de Figaro : opera buffa.
- Don Giovanni : dramma giocoso, mêlant le sérieux et le comique.
- L’Enlèvement au sérail et La Flûte enchantée : Singspiele allemands.
Et Mozart n’est pas une exception. Salieri, par exemple, a composé Tarare pour Paris, dans la tradition du grand théâtre lyrique français, puis en a réalisé une adaptation italienne, Axur, re d’Ormus, à partir du même sujet et du livret de Beaumarchais, mais profondément remanié. Rossini a écrit des opere buffe (opéras comiques italiens), comme Le Barbier de Séville, des opéras sérieux, comme Semiramide, puis Guillaume Tell pour la scène française, dans le genre du grand opéra. Leonard Bernstein a composé aussi bien des opéras, comme Trouble in Tahiti, que l’opérette Candide, également rattachée à la comédie musicale, et la comédie musicale West Side Story.
Les compositeurs peuvent écrire dans des traditions différentes, indépendamment de leur origine géographique ou de leur langue maternelle. Mozart, né à Salzbourg, a écrit aussi bien des opéras italiens que des Singspiele allemands. Haendel, né en Allemagne, a composé de nombreux opéras italiens pour Londres. Gluck, également issu du monde germanophone, a travaillé dans les traditions italienne et française. Lully, né à Florence, est quant à lui devenu l’un des fondateurs de la tradition lyrique française.
Les frontières entre les genres peuvent également évoluer au fil des différentes versions d’une même œuvre. Carmen de Bizet, créé en 1875 à l’Opéra-Comique, comportait des dialogues parlés. Après la mort du compositeur, Ernest Guiraud a écrit des récitatifs chantés pour les remplacer. De même, Faust de Gounod a été créé en 1859 au Théâtre-Lyrique avec des dialogues parlés. Gounod les a ensuite remplacés par des récitatifs chantés, avant de présenter une nouvelle version à l’Opéra de Paris en 1869. Ces exemples montrent que la distinction entre dialogues parlés et récitatifs chantés, essentielle pour certains genres, ne suffit pas toujours à classer définitivement une œuvre.
Il existe également des œuvres qui résistent particulièrement au classement. La Damnation de Faust de Berlioz, par exemple, porte le sous-titre de « légende dramatique » : elle se situe à la frontière du théâtre musical et de la musique symphonique. Porgy and Bess de Gershwin réunit les traditions de l’opéra, du jazz, du blues et de la musique populaire américaine. Quant à Peter Grimes de Britten, il possède un langage personnel qui ne se laisse pas réduire à une seule école esthétique.
Tout cela rappelle que la vie musicale n’est pas constituée de blocs bien séparés. Les styles évoluent progressivement, s’influencent mutuellement, se croisent et donnent parfois naissance à des innovations inattendues. Quand meme, par les raisons pedagogique on va faire les grouppements , un sort de classement.
Dater les genres d’opéra : un exercice à haut risque !
La question des dates complique encore davantage le classement.
Certains genres appartiennent surtout à l’histoire : l’opera seria, par exemple, a connu son apogée au XVIIIᵉ siècle et n’est plus aujourd’hui une forme courante de création selon ses conventions historiques.
D’autres traditions restent vivantes et continuent d’évoluer. Et parfois, un compositeur reprend volontairement des formes anciennes pour leur donner une nouvelle signification. C’est notamment le cas du néoclassicisme au XXᵉ siècle : Stravinsky, dans The Rake’s Progress, s’inspire de conventions anciennes tout en composant une œuvre de son temps.
Il serait donc trompeur de fixer des dates précises de début et de fin pour chaque genre, comme si les compositeurs avaient tous décidé de changer de style au même moment. Pour donner néanmoins quelques repères, j’indique les périodes de référence approximatives des différents genres ou courants. Ces dates n’excluent ni les œuvres importantes composées en dehors de ces périodes, ni les prolongements et les renaissances ultérieures.
Je n’ai pas choisi de classer les opéras uniquement par périodes historiques (baroque, classicisme, romantisme, etc.) ou par zones géographiques. J’ai préféré tenir compte de plusieurs critères : les traditions historiques, les genres et les conventions théâtrales, les formes musicales et les différentes esthétiques. J’ai toutefois consacré deux familles aux traditions italienne et française, en raison de leur importance dans la naissance et le développement de l’opéra.
Je présente d’abord les 7 grandes familles, puis j’explique chacune d’elles à l’aide d’exemples musicaux. Le parcours commence par les formes mêlant parole et chant, présente ensuite les grandes traditions italienne et française, puis les évolutions du romantisme et les nouvelles esthétiques de l’opéra. Il se poursuit avec les créations depuis 1945 et se termine par la comédie musicale.
Cet ordre ne signifie pas que les genres se sont succédé de façon linéaire : plusieurs traditions se sont développées simultanément et se sont influencées mutuellement. Une même œuvre peut également présenter les caractéristiques de plusieurs genres. Enfin, une vue d’ensemble réunit les 39 catégories présentées dans ce classement.
C’est ma tentative d’expliquer le monde de l’opéra aux débutants. Il existe d’autres classements, fondés sur des approches différentes, mais je n’en ai pas trouvé qui correspondent exactement à ce que je recherchais : une présentation qui accorde une place importante aux caractéristiques musicales et théâtrales des œuvres, sans se limiter à leur histoire. C’est ce qui m’a poussée à réaliser cette introduction à l’opéra.
Regardons de plus près chacun des 7 groupes. À la fin, je vous proposerai un tableau récapitulatif réunissant les 7 groupes et les 39 catégories d’opéras.
1. Théâtre parlé et chanté
Période : Depuis env. 1670
Principaux pays / aire : France, Allemagne, Autriche, Royaume-Uni, Espagne, puis autres pays
Cette famille réunit des traditions théâtrales dans lesquelles les dialogues parlés alternent avec des morceaux chantés. L’opéra-comique français, le Singspiel allemand et la zarzuela espagnole en sont des exemples, aux côtés de l’opérette et de certaines formes anglaises. Ces genres peuvent être comiques, sérieux ou tragiques : c’est avant tout leur organisation entre parole et musique qui les rapproche.
Au XXe siècle, cette tradition se prolonge notamment dans la comédie musicale, qui associe chant, dialogues et danse (voir famille 7 : La comédie musicale).
Les opéras réunis dans ce groupe sont très différents. J’ai choisi un extrait d’Orphée aux enfers, un opéra-bouffe français d’Offenbach (1858), pour vous montrer qu’un style ancien n’est pas nécessairement quelque chose de purement historique ou d’archaïque.
Cliquez pour afficher les détails et les exempleS
Semi-opera anglais / Opéra-comique français / Ballad opera anglais / Singspiel allemand / Zarzuela espagnole / Opérette / opéra-bouffe
| Rubrique | Semi-opera anglais | Opéra-comique français | Ballad opera anglais | Singspiel allemand | Zarzuela espagnole | Opérette / opéra-bouffe |
|---|---|---|---|---|---|---|
| Période | env. 1670–1700 | env. 1710–1900 | env. 1728–1800 | env. 1760–1850 | env. 1850–1900 | env. 1850–1930 |
| Commentaire | Pièce de théâtre parlée avec de grandes scènes musicales, des chœurs et des danses. Le spectacle est souvent féerique ou mythologique. | Né au début du XVIIIe siècle dans les foires parisiennes, l’opéra-comique alterne dialogues parlés et morceaux chantés. Il se développe particulièrement à partir de 1750. Contrairement à ce que son nom suggère, il peut aussi être sérieux ou tragique, comme Carmen. | Pièce de théâtre parlée avec des chansons populaires. Le ton est souvent comique et sert à se moquer de la société. | Mozart appelait La Flûte enchantée « opéra allemand », mais sa forme est celle d’un Singspiel. Fidelio : Singspiel par la forme, à sujet de sauvetage. Le Freischütz de Weber, à dialogues parlés, prolonge cette tradition (voir famille 4). | Tradition espagnole associant chant, dialogues parlés et parfois danse. Ses origines remontent au XVIIe siècle, mais son grand essor se situe au XIXe siècle. | L’opéra-bouffe désigne surtout les grandes œuvres satiriques et comiques d’Offenbach. L’opérette est un genre plus large, souvent léger et divertissant. Les deux formes se recouvrent parfois, mais se distinguent de l’opera buffa italien, entièrement chanté. |
| Exemples | Purcell : Dioclesian, King Arthur, The Fairy-Queen | Monsigny : Le Déserteur ; Grétry : Richard Cœur-de-Lion ; Boieldieu : La Dame blanche ; Bizet : Carmen (version originale ; les récitatifs chantés ont été ajoutés après la mort de Bizet pour la version donnée à Vienne en octobre 1875). | Gay : The Beggar’s Opera ; Coffey : The Devil to Pay | Hiller : Die Jagd ; Mozart : L’Enlèvement au sérail, La Flûte enchantée ; Beethoven : Fidelio (créé en 1805 ; version définitive en 1814). | Barbieri : El barberillo de Lavapiés ; Chapí : La revoltosa | Offenbach : Orphée aux enfers, La Belle Hélène ; Johann Strauss II : Die Fledermaus ; Lehár : La Veuve joyeuse |
2. Les traditions de l’opéra italien
Période : Depuis env. 1600
Principaux pays / aire : Italie et autres scènes européennes
L’opéra italien développe ensuite plusieurs grandes formes, de l’opera seria (opéra sérieux) aux œuvres comiques de l’opera buffa, en passant par les genres qui mélangent le sérieux et le comique (dramma giocoso et opera semiseria). La voix et la mélodie occupent une place essentielle. Ces formes se diffusent largement hors d’Italie.
L’histoire de l’opéra italien ne s’arrête pas en 1850. Elle se poursuit notamment avec Verdi, Puccini et le vérisme, présentés dans la famille 4 : L’opéra romantique et ses héritages.
Je vous propose un extrait de Le nozze di Figaro, un opera buffa italien composé par l’Autrichien Mozart. L’œuvre est tirée d’une pièce française de Beaumarchais, Le Mariage de Figaro (1784).
La raison de mon choix : le chant lui-même et la virtuosité vocale ont toujours occupé une place centrale dans la tradition de l’opéra italien.
Cliquez pour afficher les détails et les exempleS
Premiers opéras italiens /Opera seria / Intermezzo / Opera buffa/ Dramma giocoso / Opera semiseria
| Rubrique | Premiers opéras italiens | Opera seria | Formes comiques italiennes | Mélange du sérieux et du comique | ||
|---|---|---|---|---|---|---|
| Intermezzo | Opera buffa | Dramma giocoso | Opera semiseria | |||
| Période | env. 1600–1700 | env. 1700–1800 | env. 1700–1750 | env. 1750–1850 | env. 1750–1800 | env. 1800–1850 |
| Commentaire | L’opéra naît à Florence vers 1600, puis se développe notamment à Mantoue et à Venise. D’abord destiné aux cours, il s’ouvre progressivement à un public plus large. | Opéra italien sérieux, généralement structuré autour de récitatifs et d’airs. Les trois actes et l’ouverture en trois mouvements sont des conventions fréquentes, non des obligations universelles. | Courtes œuvres comiques, souvent jouées entre les actes d’une œuvre sérieuse. Pimpinone de Telemann est une œuvre allemande créée à Hambourg, qui reprend la forme italienne de l’intermezzo. | Comédie italienne entièrement chantée, fondée notamment sur l’alternance de récitatifs et d’airs, avec une grande importance des ensembles et des finales. Rossini se situe à la jonction de l’opera buffa et du bel canto (voir famille 4). À distinguer de l’opéra-bouffe français. | Mélange de registres sérieux et comiques, sans dénouement nécessairement heureux. Genre surtout associé à la seconde moitié du XVIIIe siècle (Goldoni, Galuppi, Da Ponte et Mozart). | Sujet sérieux comportant des éléments comiques et souvent un dénouement heureux. |
| Exemples | Peri : Euridice ; Monteverdi : L’Orfeo, Le Couronnement de Poppée (attribué à Monteverdi) ; Cavalli : La Calisto | Haendel : Rinaldo, Giulio Cesare ; Hasse : Cleofide ; Mozart : Idomeneo, La Clémence de Titus | Pergolesi : La serva padrona ; Telemann : Pimpinone | Piccinni : La buona figliola ; Paisiello : Il barbiere di Siviglia ; Mozart : Le nozze di Figaro ; Cimarosa : Il matrimonio segreto ; Rossini : Le Barbier de Séville | Galuppi : Il mondo della luna ; Mozart : Don Giovanni, Così fan tutte | Paer : Agnese ; Rossini : La gazza ladra |
3. Les traditions de l’opéra français
Période : Premières expériences dès le milieu du XVIIe siècle ; principales formes étudiées jusqu’à env. 1900
Principaux pays / aire : France
De la tragédie lyrique de Lully au grand opéra du XIXᵉ siècle, la tradition française accorde une place importante au texte, à la déclamation, aux chœurs, à la danse et au spectacle visuel.
Avant Lully, les ballets de cour et les comédies-ballets préparent la naissance de l’opéra français. Au début du XIXᵉ siècle, des compositeurs comme Spontini et Lesueur font évoluer cette tradition vers les spectacles monumentaux du grand opéra.
L’histoire de l’opéra français se poursuit bien après 1900, notamment avec Debussy, Ravel, Poulenc et Messiaen, dont les œuvres sont abordées dans les familles 5 (Les nouvelles esthétiques de l’opéra) et 6 (L’opéra depuis 1945).
Pour illustrer ce groupe, je vous propose un extrait de Tarare, un opéra français de Salieri (1787) , composé dans le prolongement de la réforme de Gluck.
Cette œuvre illustre bien l’une des grandes caractéristiques de la tradition lyrique française : l’importance accordée au texte, à son intelligibilité et à la déclamation. On y entend l’alternance entre les récitatifs, proches de la parole déclamée en musique, et les passages plus mélodiques, où le chant prend davantage de place.
Pour mieux comprendre l’opéra Tarare de Salieri, je vous invite à lire mon article : Comprendre la tragédie lyrique française : Tarare de Salieri.
Cliquez pour afficher les détails et les exempleS
Tragédie lyrique / tragédie en musique /Opéra-ballet / Gluck et la réforme de l’opéra / Vers le grand opéra français/ Grand opéra français / Opéra lyrique français
| Rubrique | Tragédie lyrique / tragédie en musique | Opéra-ballet | Gluck et la réforme de l’opéra | Vers le grand opéra français | Grand opéra français | Opéra lyrique français |
|---|---|---|---|---|---|---|
| Période | env. 1670–1800 | env. 1700–1800 | env. 1760–1800 | env. 1800–1830 | env. 1828–1870 | env. 1850–1900 |
| Commentaire | Genre français développé par Lully sur le modèle de la tragédie classique, généralement en cinq actes avec un prologue. Spectacle associant récitatifs, airs, chœurs, danses et décors. Il se prolonge au XVIIIe siècle, notamment chez Rameau. | Genre développé notamment par Campra à partir de 1697. Il privilégie le divertissement et la danse, avec plusieurs entrées relativement indépendantes, souvent réunies par un thème commun. | La réforme de Gluck commence à Vienne, avec des livrets italiens, avant d’influencer profondément l’opéra français. Elle renforce la relation entre musique et drame. Les compositeurs regroupés ici ne sont pas tous des disciples directs de Gluck. | Au début du XIXe siècle, l’opéra français évolue vers des spectacles plus monumentaux. Les compositeurs développent le rôle de l’orchestre, des chœurs et de la mise en scène, préparant ainsi la naissance du grand opéra français. Il s’agit ici d’une étape de transition, et non d’un genre autonome. | Grand spectacle historique, grands chœurs, ballets et décors monumentaux. Le genre connaît son apogée entre 1828 et les années 1860–1870, mais son influence se prolonge. | Généralement moins monumental que le grand opéra, avec une place importante accordée aux sentiments et à la psychologie. Ses frontières restent souples ; le terme « drame lyrique » peut désigner des œuvres voisines, sans être toujours un synonyme exact. |
| Exemples | Lully : Atys, Armide ; Rameau : Hippolyte et Aricie, Castor et Pollux | Campra : L’Europe galante, Les Fêtes vénitiennes ; Rameau : Les Indes galantes, Les Fêtes d’Hébé | Gluck : Orfeo ed Euridice, Alceste, Iphigénie en Tauride ; Piccinni : Didon ; Sacchini : Œdipe à Colone ; Salieri : Les Danaïdes, Tarare | Lesueur : Ossian ou Les Bardes ; Spontini : La Vestale, Fernand Cortez | Auber : La Muette de Portici ; Rossini : Guillaume Tell ; Halévy : La Juive ; Meyerbeer : Les Huguenots, Le Prophète ; Berlioz : Les Troyens ; Verdi : Don Carlos | Gounod : Faust, Roméo et Juliette ; Bizet : Les Pêcheurs de perles ; Massenet : Werther, Thaï |
4. L’opéra romantique et ses héritages
Période : Env. 1800–1920 pour ses principaux développements historiques
Principaux pays / aire : Europe — Italie, Allemagne, Autriche, France, Russie, pays tchèques, Pologne, Hongrie ; rayonnement dans les Amériques
Au XIXᵉ siècle, l’opéra accorde une place croissante aux passions, aux conflits et à la psychologie des personnages.
En Italie, le bel canto, associé à Rossini, Bellini et Donizetti, valorise la beauté de la voix, la souplesse du chant et la virtuosité. Rossini se situe à la jonction de l’opera buffa et du bel canto. Verdi et Puccini prolongent ensuite l’évolution de l’opéra italien.
En Allemagne, l’opéra romantique développe notamment les thèmes du fantastique, des légendes et de la nature. Wagner renouvelle ensuite le drame musical en donnant un rôle essentiel à l’orchestre.
Parallèlement, des écoles nationales s’affirment dans plusieurs pays européens, notamment en Russie (Glinka, Moussorgski, Borodine, Rimski-Korsakov), en Bohême (Smetana, Dvořák), en Pologne (Moniuszko) et en Hongrie (Erkel). En Espagne, la zarzuela connaît également un nouvel essor.
Aujourd’hui, ces traditions restent vivantes : les œuvres romantiques sont toujours représentées et le bel canto demeure une référence importante pour les chanteurs.
À partir de la fin du XIXᵉ siècle, le langage musical de l’opéra continue d’évoluer, notamment avec le post-romantisme et le vérisme, puis avec les nouvelles esthétiques du XXᵉ siècle. Les traditions nationales poursuivent également leur développement (voir les familles 5 : Les nouvelles esthétiques de l’opéra et 6 : L’opéra depuis 1945).
Les dates du tableau désignent des périodes d’essor, et non la disparition de ces styles.
L’opéra romantique est souvent associé au bel canto, dont l’héritage vocal se retrouve également chez Puccini. Écoutons donc le célèbre air « O mio babbino caro », extrait de son opéra Gianni Schicchi (1918).
Cliquez pour afficher les détails et les exempleS
Opéra romantique allemand / Bel canto (esthétique vocale) / Naissance des écoles nationales d’opéra / Verdi, Puccini et le vérisme / Drames musicaux de Wagner / Drames lyriques influencés par Wagner
| Rubrique | Opéra romantique allemand | Bel canto (esthétique vocale) | Naissance des écoles nationales d’opéra | Verdi, Puccini et le vérisme | Wagner et le drame wagnérien | |
|---|---|---|---|---|---|---|
| Drames musicaux de Wagner | Drames lyriques influencés par Wagner | |||||
| Période | env. 1800–1900 | env. 1810–1850 | env. 1830–1910 | env. 1840–1920 | env. 1850–1885 | env. 1880–1910 |
| Commentaire | Fantastique, légendes, nature et rôle croissant de l’orchestre. Der Freischütz et Oberon comportent des dialogues parlés et se situent à la frontière du Singspiel (famille 1). Oberon, composé pour Londres sur un livret anglais, illustre aussi la diffusion internationale du romantisme allemand. Cette tradition évolue notamment vers les drames de Wagner et le post-romantisme. | Primauté de la beauté du chant, de la ligne vocale et de la virtuosité. Le terme désigne autant un style qu’un répertoire ; il recoupe en partie l’opera buffa et l’opera semiseria (famille 2), notamment chez Rossini et Donizetti. Le bel canto est toujours pratiqué et enseigné aujourd’hui, et ses œuvres continuent d’être représentées. | Au cours du XIXe siècle, particulièrement dans sa seconde moitié, des écoles nationales d’opéra s’affirment en dehors des grands centres italien, français et allemand. Il ne s’agit pas de la naissance de l’opéra dans ces pays, mais du développement de traditions lyriques nationales plus autonomes. Elles ne constituent pas un genre musical unique, car leurs formes et leurs esthétiques restent diverses. | Regroupement du romantisme italien et de ses prolongements. Verdi précède largement le vérisme ; certaines œuvres de Puccini s’en rapprochent, mais toutes ne relèvent pas du vérisme strict. Verdi a également abordé le grand opéra français avec Don Carlos (voir famille 3). Leurs œuvres restent très présentes dans le répertoire actuel, et leur manière d’unir chant et expression dramatique a durablement influencé l’opéra. | Continuité dramatique, leitmotive et rôle structurant de l’orchestre. Wagner transforme profondément le langage de l’opéra. Son influence se prolonge au XXe siècle et au-delà, notamment dans l’écriture orchestrale et la musique dramatique. | Influence wagnérienne sur l’écriture orchestrale, l’harmonie et la dramaturgie, sans effacer les particularités stylistiques de chaque compositeur. Cette orientation contribue aux développements post-romantiques et modernes (voir famille 5). |
| Exemples | Weber : Der Freischütz, Oberon ; Marschner : Hans Heiling ; Wagner : Le Vaisseau fantôme | Rossini : Tancredi, Semiramide ; Bellini : Norma, I puritani ; Donizetti : Lucia di Lammermoor, L’elisir d’amore, Don Pasquale | Russie : Glinka : Une vie pour le tsar ; Moussorgski : Boris Godounov ; Borodine : Prince Igor ; Tchaïkovski : Eugène Onéguine, La Dame de pique ; Rimski-Korsakov : Le Coq d’or. Pays tchèques : Smetana : La Fiancée vendue ; Dvořák : Rusalka ; Janáček : Jenůfa, La Petite Renarde rusée. Pologne : Moniuszko : Halka. Hongrie : Erkel : Hunyadi László, Bánk bán. | Verdi : Nabucco, Rigoletto, La traviata, Aida, Otello ; Mascagni : Cavalleria rusticana ; Leoncavallo : Pagliacci ; Giordano : Andrea Chénier ; Puccini : La Bohème, Tosca, Madama Butterfly, La fanciulla del West | Wagner : Tristan et Isolde, L’Anneau du Nibelung, Les Maîtres chanteurs de Nuremberg, Parsifal | Chausson : Le Roi Arthus ; Vincent d’Indy : Fervaal ; Humperdinck : Hänsel und Gretel |
5. Les nouvelles esthétiques de l’opéra
Période : Env. 1890–1945, avec des prolongements après cette période
Principaux pays / aire : France, Allemagne, Autriche, Russie / URSS, Hongrie, puis diffusion internationale
À la fin du XIXᵉ siècle et durant la première moitié du XXᵉ siècle, les compositeurs explorent de nouveaux langages musicaux et de nouvelles conceptions du théâtre. Symbolisme, expressionnisme, néoclassicisme, satire et modernisme ouvrent des voies très différentes, tandis que certains compositeurs prolongent ou transforment l’héritage romantique.
Ces esthétiques ne s’arrêtent pas en 1945 : le néoclassicisme se prolonge, notamment avec The Rake’s Progress de Stravinsky (1951), et les œuvres symbolistes, expressionnistes ou post-romantiques continuent d’être jouées. Les recherches musicales modernes ouvrent aussi la voie aux expériences présentées dans la famille 6 : L’opéra depuis 1945.
Les nouvelles esthétiques du début du XXᵉ siècle proposent des langages musicaux extrêmement diversifiés. Je vous propose un extrait de Pelléas et Mélisande de Debussy, un opéra symboliste créé en 1902.
Cliquez pour afficher les détails et les exempleS
Prolongements post-romantiques / Opéra symboliste / Opéra expressionniste et pré-expressionniste / Opéra néoclassique / Opéra satirique, grotesque et moderniste / Opéra dramatique moderniste
| Rubrique | Prolongements post-romantiques | Opéra symboliste | Opéra expressionniste et pré-expressionniste | Opéra néoclassique | Opéra satirique, grotesque et moderniste | Opéra dramatique moderniste |
|---|---|---|---|---|---|---|
| Période | env. 1890–1940 | env. 1890–1930 | env. 1900–1940 | env. 1920–1960 | env. 1920–1950 | env. 1920–1950 |
| Commentaire | Richard Strauss traverse plusieurs orientations esthétiques, de l’intensité dramatique de Salome aux références aux formes anciennes. | Importance de la suggestion, de l’atmosphère et de l’ambiguïté dramatique. Le symbolisme est une orientation esthétique plutôt qu’une structure théâtrale fixe. | Richard Strauss appartient aux modernités du début du XXe siècle, mais son langage et sa dramaturgie ne se confondent pas entièrement avec ceux de Schoenberg et de Berg. | Réinterprétation moderne de formes historiques. The Rake’s Progress (1951) montre que le néoclassicisme se prolonge après 1945. | Satire, grotesque, fantaisie et modernisme théâtral. L’Amour des trois oranges associe comique, merveilleux et parodie ; Le Nez développe une écriture satirique et grotesque. | Dramaturgie intense, conflits psychologiques et modernisme musical. Lady Macbeth de Mzensk développe une écriture tragique et critique. |
| Exemples | Richard Strauss : Der Rosenkavalier, Ariadne auf Naxos ; Korngold : Die tote Stadt ; Schreker : Der ferne Klang | Debussy : Pelléas et Mélisande ; Dukas : Ariane et Barbe-Bleue ; Bartók : Le Château de Barbe-Bleue | Richard Strauss : Salome, Elektra ; Schoenberg : Erwartung ; Berg : Wozzeck, Lulu | Hindemith : Cardillac ; Stravinsky : Oedipus Rex, The Rake’s Progress | Chostakovitch : Le Nez ; Kurt Weill : Grandeur et décadence de la ville de Mahagonny ; Prokofiev : L’Amour des trois oranges | Chostakovitch : Lady Macbeth de Mzensk |
6. L’opéra depuis 1945
Période : Depuis 1945
Principaux pays / aire : Europe, Amériques et monde entier
Après la Seconde Guerre mondiale, l’opéra poursuit son évolution dans de multiples directions. L’avant-garde expérimente de nouvelles relations entre musique, voix, électronique et espace scénique. Le minimalisme propose d’autres conceptions du temps musical, tandis que des compositeurs continuent à renouveler les formes narratives et lyriques. Le jazz et les musiques populaires enrichissent également certaines œuvres.
Ces orientations ne se remplacent pas les unes les autres : elles coexistent encore aujourd’hui et continuent de se transformer.
Je vous propose un extrait de Satyagraha de Philip Glass, un opéra minimaliste créé en 1980. Cette œuvre se caractérise par la répétition de motifs musicaux qui se transforment progressivement, créant une perception particulière du temps musical.
Pour mieux comprendre l’opéra Satyagraha de Philip Glass, je vous invite à lire mon article : Comprendre l’opéra minimaliste : Satyagraha de Philip Glass.
Cliquez pour afficher les détails et les exempleS
Opéra moderne : drame et spiritualité / Opéra expérimental et d’avant-garde / Opéra intégrant le jazz et les musiques populaires / Opéra minimaliste / Opéra postminimaliste/ Opéra lyrique et narratif récent
| Rubrique | Opéra moderne : drame et spiritualité | Opéra expérimental et d’avant-garde | Opéra intégrant le jazz et les musiques populaires | Opéra minimaliste | Opéra postminimaliste | Opéra lyrique et narratif récent |
|---|---|---|---|---|---|---|
| Période | depuis env. 1945 | depuis env. 1950 | depuis env. 1950 | depuis env. 1970 | depuis env. 1980 | depuis env. 1990 |
| Commentaire | Regroupement de voies modernes différentes : drame psychologique et social chez Britten, conflits religieux et moraux chez Poulenc, réécriture du drame chez Henze et dimension spirituelle et contemplative chez Messiaen. | Stockhausen est un représentant majeur de l’avant-garde expérimentale. Son cycle Licht, composé de sept opéras, explore de nouvelles relations entre voix, instruments, électronique, espace et scène. | Rencontre entre traditions lyriques, jazz et différentes musiques populaires. Porgy and Bess, créé en 1935, précède la période de référence indiquée et constitue un exemple fondateur. Bernstein écrit aussi bien des opéras que des comédies musicales. | Répétition de motifs, pulsation et nouvelles perceptions du temps musical. | Héritage du minimalisme, enrichi d’autres procédés orchestraux et dramaturgiques. | Regroupement descriptif d’œuvres récentes appartenant à des esthétiques différentes, sans constituer un genre historique unique. |
| Exemples | Britten : Peter Grimes, Billy Budd, Le Tour d’écrou ; Poulenc : Dialogues des carmélites ; Henze : Les Bassarides ; Messiaen : Saint François d’Assise | Stockhausen : Donnerstag aus Licht, Samstag aus Licht, cycle Licht ; Nono : Intolleranza 1960 ; Ligeti : Le Grand Macabre | Bernstein : Trouble in Tahiti, A Quiet Place ; Terence Blanchard : Champion, Fire Shut Up in My Bones. Précurseur : Gershwin : Porgy and Bess | Philip Glass : Einstein on the Beach, Satyagraha, Akhnaten | John Adams : Nixon in China, The Death of Klinghoffer, Doctor Atomic | Saariaho : L’Amour de loin, Innocence ; Heggie : Dead Man Walking, Moby-Dick ; Adès : The Tempest, The Exterminating Angel |
7. La comédie musicale
Période : Depuis env. 1920
Principaux pays / aire : États-Unis, Royaume-Uni, France, puis diffusion internationale
Développée principalement au XXᵉ siècle, notamment à Broadway, la comédie musicale associe chant, théâtre et danse, avec des conventions vocales et scéniques différentes de celles de l’opéra traditionnel. Elle peut privilégier le divertissement, la comédie ou le drame, et certaines œuvres se rapprochent de l’opéra par leur ambition musicale ou par la continuité du chant.
Je la présente ici séparément de l’opérette : cette dernière appartient à la tradition lyrique européenne du XIXᵉ siècle, tandis que la comédie musicale s’est développée notamment sous l’influence du jazz et des musiques populaires américaines.
La comédie musicale demeure un genre vivant : à côté des formes classiques, elle continue de développer des œuvres dramatiques et des spectacles entièrement ou presque entièrement chantés. Ces formes coexistent plutôt qu’elles ne se succèdent strictement.
Nous aimons la comédie musicale, alors pourquoi lui refuse-t-on parfois une place dans la grande famille de l’opéra ? Elle possède pourtant de nombreuses caractéristiques qui l’en rapprochent.
Écoutons le célèbre air « Belle », extrait de Notre-Dame de Paris, la comédie musicale de Riccardo Cocciante et Luc Plamondon, créée à Paris en 1998.
Cliquez pour afficher les détails et les exempleS
Comédie musicale classique/ Comédie musicale dramatique / Comédie musicale entièrement ou presque entièrement chantée
| Rubrique | Comédie musicale classique | Comédie musicale dramatique | Comédie musicale entièrement ou presque entièrement chantée |
|---|---|---|---|
| Période | env. 1920–1960 | depuis env. 1950 | depuis env. 1970 |
| Commentaire | Développement de la comédie musicale américaine intégrant chant, dialogues et danse. Show Boat (1927), par son sujet et son ambition musicale, fait le pont avec l’opéra et avec l’opérette. | Développement de sujets dramatiques et psychologiques. Bernstein est présent à la fois dans l’opéra et la comédie musicale. Candide (1956), conservé ici, constitue un cas hybride, généralement désigné comme une opérette, également représenté sur les scènes de comédie musicale et d’opéra. | Réduction ou disparition des dialogues parlés, sans que ces œuvres deviennent nécessairement des opéras au sens traditionnel. |
| Exemples | Kern et Hammerstein : Show Boat ; Rodgers et Hammerstein : Oklahoma!, The Sound of Music ; Lerner et Loewe : My Fair Lady | Bernstein : West Side Story, Candide ; Sondheim : Sweeney Todd, Into the Woods | Andrew Lloyd Webber : Jesus Christ Superstar, Evita, The Phantom of the Opera ; Schönberg et Boublil : Les Misérables ; Cocciante et Plamondon : Notre-Dame de Paris |
L’opéra en 7 grandes familles et 39 catégories
Et enfin, la frise qui réunit toutes les catégories.
J’espère que mes réflexions vous seront utiles.
Pour prolonger cette découverte de l’opéra, je vous invite à explorer mes autres articles et à tester vos connaissances avec les quiz que je lui ai consacrés. Retrouvez-les dans la catégorie Opéra.
Si vous avez des commentaires ou des remarques, je serai ravie d’en discuter avec vous.
